日本商业动画的制作工序与手法最全介绍！
是不是没看过这张图？哈哈哈！这是《你的名字》DVD特典中的一首MV：Sparkle - Your name 这首MV中有另一个版本的结局。泷从神体山回来后不久，与来东京上大学的三叶相遇。这一年，泷17岁，三叶20岁。
咳咳，言归正传，wuhu君今天要说的是日本商业动画的制作工序与手法！是的，wuhu君又带来了干货！
最近，日本3DCG制作公司IKIF+的CG导演兼插画设计师菱川パトリシア在Area JANPAN上开设专栏，文章分为制作工序和手法两大部分，就动画的幕后制作展开了详细的论述和阐释。
日本知名3DCG制作公司IKIF+
菱川パトリシアPatricia Hishikawa
CG导演兼插画设计师。在即将播出的10月番《少女终末旅行》中任CG监督，也曾担任剧场版《猎天使魔女：血色命运》的CG监督。另外还参与了《从零开始的异世界》《哆啦A梦 新‧大雄的宇宙开拓史》《哆啦A梦 大熊的新魔界大冒险》《攻壳机动队2无罪》《蒸汽少年》的制作。在制作动画作品的同时，兼任东京造形大学、东京工艺大学的动画讲师。
日本商业动画的制作工序与手法
2016年，不仅在日本国内诞生了诸如《在这世界的角落》《你的名字。》等一些世界有名的话题作，国外也是佳作频出。
今年，好作品也在继续上演。那么好看的动画是如何做出来的呢？
想必大家也对动画作品的幕后制作多少有点兴趣，今天就wuhu君就和大家分享一下，本文授权转载自微信公众号：Anitama，wuhu君略有删减。
说到动画作品，粗略地讲分为两大类——“商业动画”和“个人动画”。其中商业动画包括大家现在经常看到的电视动画、剧场版动画，以及网络动画。
而个人动画，顾名思义是以个人（或小团体）为名义制作的作品，因为并不是将商业化作为目的，不论是制作手法还是制作工序相比商业动画都要自由得多。简而言之就是艺术性较高的作品。
对于好的作品，其魅力的关键在于和观众引起共鸣的动画角色，此外有趣的故事和具有魅力的世界观也是不可或缺的。而高潮跌宕的剧情可能更会勾起观众看下去的欲望，当然这也在“有趣”的范畴之内。因此即便是随处可见的老套故事，只要变换一个角度来叙说，都会孕育出别样的新鲜感。
另外，如果刚好有和日常生活体验以及知识重合的部分，那么观众对于故事的理解也好，和角色产生的共鸣也好，无疑都会更加深刻和强烈。而当剧情的发展超乎了观众的预想，甚至在最后导向了一个完全意想不到的结局，就极有可能成为一部能称得上有趣的作品了。
因此，要做出有趣的作品，需要在各个方面小心把握。比如叙事方面、表现方面，以及如何挑拨观众的想象力，这些都要借助演出的力量。
其次，如何将演出的要求具现化成绘画则是第二等大事。为了更好展现角色和世界观的魅力，作画上就要多加考虑，比如团队、手法、工具的选择，时间表和预算的商洽，都直接决定着制作的方法。
定好制作方向后，接下来就要进入制作工序了。下表是一般动画制作工序的简化表。而具体到不同的动画工作室，工序的数量也会有所不同，前后关系也会发生变化。不过大致上还是显示出了一些制作上的共通点。
基本来说，整个制作工序可分为三个阶段：预产期（Pre Production）、生产期（Production）和后加工期（Post Production）。
先重点说前两个阶段。所谓预产期，也就是作品的准备阶段，以企划书为基点，准备好脚本、分镜和设定等必要的材料。下面简单做些名词解释。
首先是企划，就是把想做的作品用文字整理成书面材料。要说明制作的目的、作品的主题、会有什么样的角色登场、会发生怎样的故事。还包括作品的目标观众、要通过什么渠道播放等等。另外也要展望一下作品播出后的情形，比如周边售卖在内的角色消费等。一句话来说，就是要讲清楚“做怎样的作品”这件事情。
其次是制定作品的主题。一般来说，作品的主题和概念是最先要定下来的东西，用来表明这是什么样的作品，以及这部作品描写的内容、所讲的故事这些根本要素。
观众通过作品名称，可能会最直接地get到一部作品的主题。而在本篇中，根据内容来选择表现手法之前，事先让制作人员在主题概念上达成共识，才能通过本篇更好地传达作品主题，这也是最重要的。
然后是概念，从怎样的视角来表达既定的主题，这是它的核心。在制作时，概念充当着基底的作用。虽然“要做什么样的作品”也是基本要素之一，当中一定还包含着制作的动机。以此为根据而定好的制作目的，同样是不可或缺的要素。
举个例子，比如有部动画的主题是“少年ブリブリ君在各种各样的工作中搬砖从而不断成长”。然后定下了“向5～6岁的儿童介绍社会中的不同工作”这样的概念，将这些确定好之后再考虑“使用最新技术制作TV版动画”、“做这样的作品想达到怎样的效果”诸如此类的问题。
概念的方向性根据作品会各不相同，归结下来，“内容、目的、方法”是制作过程中的风向标。只有作品的概念足够明确，团队中的制作人员才能朝着总体方向去把握适当的方法，同时也能结合一些吸引观众的点来制作。
所以概念之于作品有着重要的导向作用，一定要从最开始做好考量。
而在设计剧情的时候，首先从大纲开始考虑：谁、在哪儿、因为什么、在做什么事情，以及事件的发展。整个作品“到底在讲什么”要想清楚，而不单单是“要加入很多华丽的战斗场面”“让人物穿上可爱的服装，制造既萌又潮流的气氛”，这些零散的点子。故事的起承转合需要特别斟酌。
形式则影响着作品的最终形态。这部作品是在院线公开，还是TV播放，或者是网络动画呢？播放渠道的不同，直接关系到作品的长度和制作的部数。另外，以何种载体让观众观看作品也是要考虑的问题。是大型荧幕、TV画面，还是平板终端、智能手机，都会影响到作品的制作方法和最终形态。
下面聊点现实的，做作品一定会牵扯到预算。要确保作品在不超预算的情况下完成，当然得在各个部分做好资金调配。值得一提的是，这时候也必须制定好截止时间。因此，细化到每道工序的截止时间的时间表就非常必要了。制作进度能否按照时间表推进，也是十分能体现一个制片人的功底的。
动画监督是万能的吗？
大多数情况下，动画的企划书一般由制片人制定，偶尔也有监督提出企划的情况，还有的会以企划部的形式存在。根据不同的作品，形式也不尽相同，一句话概括就是由“想做这样一个作品”的人制定。
监督和制片人的区别是什么？很多人经常会把监督和制片人混淆，毕竟宣传某部动画的时候，总是会用到“由某某监督的作品”、“由某某担任制片的作品”这样的字眼。
当问起作品到底是由谁做的，给出的答案往往不是监督就是制片人，这两者似乎是被放在了同样的位置上。确切地说，作品是由监督和制片人共同制作的，但他们负责的部分完全不同。
监督往往决定着作品的总体风格，然后提出相应的制作方法，同时统筹所有制作人员一起完成，并向各个岗位上的staff提出明确的指示。简单说是作品质量的控制者。有人将其比喻成工地上的包工头，就笔者而言，应该是指挥者一样的存在。
而要成为一名优秀的监督，不仅要对作品的风格做到心中有数，更要准确地传达给手下的工作人员。换言之，这时候沟通交流就成了最强劲的武器。必须强调的是，并不是单纯地动动嘴皮子就能让工作顺利进行，而是在遇到风浪的时候，需要监督来掌好船舵，最终与制作人员一起度过难关，抵达目的地。可以说，困难时期是最能看出一名监督的能力的。
宫崎骏监督
至于制片人，往往容易被认为是“提出企划的人”“提供资金的人”。实际上，确保在规定时间内保质保量达成目标，并在制作现场调节制作进度，这才是制片人最重要的职责所在。是否赶得上计划时间，最终作品的优劣，这些都要归咎在制片人的责任。此外，为了做出理想的作品，制片人还要找来适当的人选来执行，并且帮助制作人员时刻保持工作热情。
反过来说，如果觉得只要有钱怎么都行，低价聘用制作人员，随时做好顶替换人的准备；动用那些对自己有利的职员而疏离优秀的人才，如果制片人有了这样的心态，必然是出不了良作的。
虽说管理能力必不可少，但制片人对员工的重视程度，为了达成目的使用怎样的手段才是更重要的。除此之外，作品完成之后的配售、制作资金的回收等，这也是需要制片人去斟酌的。
然后常说的シナリオ（scenario），也就是指的脚本。详细讲述谁在什么情境下说了什么、做了什么，包含了所有构成影像的必需要素，说是作品的设计图也不为过。而在TV动画中，由系列构成决定每话发生了哪些事情，然后再以此为基础撰写各话的脚本。一般由专业的动画脚本家担任，也不排除监督亲自写脚本的情况。
虽然是以脚本为基础的设计图，当中除了脚本的内容，还包括对绘画的要求，对演出意图、画面构图，以及摄影技法、台词和音响效果等的指示。这是向所有工作人员一并提出的要求。
而常说的分镜基本上由演出家进行绘制，也有监督亲自参与的情况。在有的长篇TV动画作品中，每话的演出也会各不相同。但并不是每个人都能按照自己的意思随意画分镜，要考虑到系列构成提出的框架，并且保证作品整体的流畅度和世界观，在这些前提条件下最大限度呈现每话的亮点。
于是问题来了，监督和演出的区别又在哪呢？
在英文中，两者可都是被称为“Director”的。很多时候监督和演出都是同一个人。然而在动画制作中，两者的职能也各不相同。前文已经提过，监督相当于作品内容和质量的最高担责人，对手下的各个岗位的制作人员提出各种指示。
而演出的本质，就是结合监督对作品的要求，在实际影像中决定动画的具体表现。比如不同场景的表现手法，登场人物的演出形式等，并向动画师做出指示。以TV动画为例，很多时候监督会在整体把控之后，将每话的指挥权利分配给对应的演出。归根结底，监督需要考虑的重点在于“用怎样的画面呈现作品”，演出则是“要达成这样的画面该怎么做”，至于这两个职位具体如何分工，那就得视情况而定了。
生产期的主要工序
图片来源：《ID-0》
为了统一作品的所有设定，就需要准备好设定资料。其中包括角色的设定和设计图、交通工具以及机械设计（メカ設定）、场景设计（美術設定）等。首先要明确作品的风格，然后结合风格决定是以手绘为主，还是CG等数码技术为重，如果是手绘和数码技术兼有，就要考虑好各自的运用比例，这些都直接关系到后续的制作工序。
像《你的名字。》《在这世界的角落》中的角色主要通过手绘作画完成，背景虽然也大量采用了手绘，实际上根据场面的不同，也有用到CG技术。比如《你的名字》中一些难以描绘的细节，就使用了3D技术构造空间来辅助作画和美术。还有当中出现的壮观风景，有不少镜头都是用3DCG技术制作而成的。
《你的名字》里的CG背景
而《午睡公主 ～我不为人知的故事～》《台风的诺尔达》的角色则使用了数码作画，其中，《午睡公主 ～我不为人知的故事～》的群演、车和部分背景采用了CG技术。全部使用CG技术的作品在迪士尼、皮克斯等这些北美动画公司中就比较常见了。比如《海洋奇缘》《欢乐好声音》等。
根据作品和制作公司的不同，制作工序多少会有些相异，这里说明一下生产期的主要工序。首先是layout，这是以分镜为基础，对各个镜头进行场面设定的环节。主要是对摄影提出具体要求，包括用何种角度来拍摄哪个对象，角色要以多大尺寸呈现，画面的起止和镜头的转换等。动画师依照layout使角色动起来，美术担当则负责背景描绘。
《悬崖上的金鱼公主》layout
那么谁来画layout呢？偶尔有演出家来画的情况，但是当画面要表现很多事物的时候，就会用到多名layout担当者（在海外被称为layout artist）共同制作。有的特定部分监督会亲自出马，不过一般情况下都是由原画师来画。而在包含CG技术的作品中，CG部分的layout则通过CG软件完成。
但无论谁来画layout，都要按照演出和监督的指示，不断调整构图和画面的收束效果，直到获得确认。
接下来就是原画了。参考layout和分镜画出动作的关键衔接处。比如画“跳”这个动作的时候，就需要画出“站在地上”“起跳前的预备动作”“跳起时腾空的最高点”“着地”等画面，也就是最能表现这个动作本质的地方。原画控制着动作的关键，因此在海外被称为“key animation”。
“站在地上”“起跳前的预备动作”“跳起时腾空的最高点”
原画师就是专门画原画的人了。如果已经有了layout，那就据此决定相应的pose。然而前面也提到过，一般情况下layout是需要原画师完成的，所以修正表演和外形的工作就交给作画监督了。总的来说，作画监督的监督内容就是作品中所有的原画。
原画完成后，就需要一边清除多余线条，一边加入适当的中间帧，将这些原画连贯成完整流畅的动作，这就是动画师的工作了。此环节不仅对画技有要求，动画师还必须深刻理解人物此时的表演以及原画想要传达的内容，从而设计动作的轨迹和速度，观察的同时还要注重动脑。新人一般都会从动画师起步，打好动画制作的基础。
而在CG动画中，原画和动画担当是同一个人。制作人员通过软件进行原画设计，中间的动画部分电脑会自动完成。不过要如何连接原画这点还是由制作人员决定的。
数码作画的常用工具：Retas Studio,Clip Studio
CG作画的常用工具：Maya、3ds Max
接下来的一道工序是将一张张动画数码化并上色，称为“彩色”。在此之前会有专门的色彩设计制定好颜色样本表，决定各个角色、物品的颜色。然后负责颜色指定的staff以这个样本表为参考，再决定每个镜头的色彩和基调。根据不同作品，有时色彩设计和颜色指定是同一个人，也有时候是多人负责这两项工作。
色彩设计完毕后，就开始执行上色（仕上げ，paint）了，也就是用调好的颜色，为各个图层上色。如果是CG动画，不管是人物角色还是机甲，都可以直接将指定颜色导入到3D模型数据中。只要使用同一个模型数据，在所有镜头中，其设定都能保持统一。所以就省去了一一给每个镜头上色的过程。而建模阶段临时使用的颜色可能会一直用到动画制作环节，但随时都可以在中途换上指定的颜色，并在最终的透视图中作为3D素材使用。
上色常用工具：Retas Studio、Photoshop
再来说说背景美术。分阶段进行的话，通常在预产期要做好美术设定和美术board，进入生产期后再根据layout准备各个镜头的背景和美术素材。虽然至今用笔墨在纸上画背景的作品还有很多，不过近几年数码技术的出镜率是越来越高。甚至还有很多全部用CG做背景的作品。更多情况下，则是把手绘的美术素材混在CG画面中。
在预产期，为了表达世界观需要对背景舞台进行必要的设定。毕竟一部作品会通过各种各样的场景来演绎故事，因此必须精心设计和选择场所。不管是以现实存在的场所作为舞台，还是架空的世界，要使画面表现足够有说服力，就要做好各方面的资料和情报收集、整理。
而所谓美术board，就是基于美术设定决定场面的色彩搭配，以及用怎样的质感描绘，将这些制成board。即便是同一个场所，在不同时间段——早晨、白天、傍晚、夜晚的色调都会有所变化，如果作品涉及到时间推移，不同时间、季节的场景都会用board分开画。虽说每个镜头的背景美术根据layout作成，准确来讲是结合当前场景的美术board所表现出来的色调和气氛来描绘。同时把各个图层片的合成效果、镜头的摄影处理考虑在内，画出远景、近景、中景不同层次。
《从很久以前就喜欢你了。～告白实行委员会～》学校外观美术board
在生产期中，制作进行占据着举足轻重的位置。制作进行的工作是协调和串联上述的各个制作环节。他们需要和职员打交道并向他们传达演出和监督的指示、分配工作，再将成果递交给演出和监督检查，逐一确认各个工序是否在稳步进行。
此外，为了保证作品在既定的时间期限和预算之内完成，制作进行还要随时调整职员的工作量和工作方法。毕竟直接决定着作品是否能顺利完成，说制作进行是作品制作的关键也不为过。
制作进行的必备能力就是交流能力，以及对事情上心。要求制作进行不断对作品进度进行确认，以及与各方积极联络做出迅速反应。更重要的是，为了让staff以轻松的心情工作，还要充分了解他们的个性与生活，做好交流工作，这才是使制作稳步进行的秘诀所在。
常用工具：Shotgun
而在小规模团队的管理中，FTP（文件传输协议）的处理方式曾是主流，但最近使用云储存共享文件的形式变得多了起来。Shotgun中有各类制作管理工具，可与多家制作公司集中联络，同时平行管理多个作品。
3DCG动画的资产开发和镜头制作
如今使用3DCG技术的动画作品越来越多，什么情况下会用到CG技术呢？
简言之，要么是为了“达到某个画面效果“，要么就是“图个省力”。如果是前者的情况，往往是想要达到作画和美术无法实现，只有3D才能表现出来的画面效果。比如立体的背景、质感的变化、讲究细节的人物和机甲，亦或是逼真的水流和烟雾等等。
而在省力方面，主要是作画上会轻松许多。举个例子，为了突出主要角色使用CG制作其余配角；登场次数多的角色、乘具等通过CG制作也可以提高性价比。
日前，日本软件制造商P Softhouse在七年内发布了首款软件升级版，PSOFT Pencil + 4。该软件的升级提供了速度提升，Nitrous视口显示，材质渗透和新的边缘检测设置等功能。
这是一个显示新功能的视频：
在PSOFT的网站上可以找到完整的功能列表。PSOFT Pencil + 4的价格为60,480日元（约合540美元）。
官方网站：
https://www.psoft.co.jp/en/product/pencil/3dsmax/
基于上述CG的使用方式和作业手段，在选择制作工具时，首先效率是大前提所在，但结合时间表和预算考虑的话，是否还有富余的时间和资金使用新技术、结合作品规模是否要请到其他协力公司，这些都是要综合评定的。因此在CG动画制作现场，Autodesk旗下的产品逐渐成为主流，常见的主要是Autodesk Maya和Autodesk 3ds Max。
CG动画制作流程
CG的动画制作，分为资产开发/制作与镜头制作两块。资产是指制作时必要的各类素材，比如角色和背景的模型数据。类比演剧的话，演员、大道具、小道具都相当于资产。
而镜头制作，相当于演员的表演和道具的活用，也就是实际的影像制作过程。细化到各个环节，当然都有对应的职责分担，而根据作品和制作公司的规模，细分化的方式也会相应改变。下面具体介绍CG动画制作的几个主要环节。
首先是建模，是指利用3D软件在3D空间内制作立体的物体（object），细节程度由作品要求决定。举个例子，如果主要角色用CG制作，对细节就会相当考究。
另外，为了在动起来的时候不会出现走形的问题，有必要做成方便骨骼绑定的形状。不过，用作背景衬托的路人角色倒是没有那么精密的建模要求了。此外，如果打算在模型中加入美术素材，质地的尺寸要提前算出，利用UV展开为美术担当描绘素材做好辅助（PSD格式为主流）。
建模的工作由模型师执行，从人物角色到大大小小的道具、乘具以及机甲构造物、建筑和地形等等，只要是有形状的事物都由模型师制作，简直是造物主一样的存在了。但与插画不同，建模时不仅得做成立体形状，还要注意保持各个方向的平衡。而构建动态的3D物体时，需要一边想象它的动作，一边调整形状。还有的情况是，把别家制作的3D模型直接导入Maya或3ds Max中，结合动作设定对模型数据做一些再调整。
建模常用工具：Autodesk Maya、Autodesk 3ds Max
3D模型组建完毕后，再移交给绑定（rig）担当，为动画阶段做准备。但有时候也有跳过绑定直接交给3D layout担当进行layout制作的情况。绑定的具体做法是，在理解物体的构造和动作的基础上，作成骨架或框架，为模型正确执行动作做好准备，同时确保表情变化也在控制范围之中。有时3D layout担当为了保证自己设计的layout和pose可用，也会对模型进行简单的绑定。而当涉及到精细的动作时，则交由专门的动作（motion）担当进行。
要成为合格的绑定人员，要求是相当高的。比如因为绑定的问题，导致角色不能按照动画师的要求执行动作，或者表情僵化，就不能称之为成功。另外，即便个人很有才能，不能理解上面的要求自顾自埋头工作，不仅无益于作品质量，也会成为制作进度的绊脚石，这些都是绑定人员需要注意的方面。既能做出观赏性强的动作，同时适应动画师的要求保证灵活易调整，这样的人才也算是以稀为贵了。
绑定常用工具：Maya、3ds Max
3D layout的作用在于配置3D空间中的人物角色和背景模型，调节3D摄影机的终点距离、位置和角度，决定画面的构图和摄影效果等。一般而言，3D layout这一步骤在动态化之前因而常常被小看，但镜头的优劣好坏，有6成都是layout决定的，地位实则举足轻重。CG中采用3D layout的优势在于，作品中频繁出现的场景，比如教室、餐厅等，在有限的3D舞台中决定摄影机的位置和角度将会更加效率化。
这是因为，一般动画中layout由各个不同的原画师执笔，大小和风格也各不相同，为了统一还需要修正。而3D画面中无论哪个镜头都能保证同样的比例，所以省去了逐个修正的过程从而提高了效率。另外，如果事先有了3D摄影效果，就一边和演出家确认一边进行3D layout设计，最后对画面的收束进行整体调节。这种情况下，需要担当者一并完成动画的制作。
3D layout设计师也被称为layout artist。动画刚刚开始导入CG技术初期，layout中混用CG是曾经的主流做法。逐渐地，先行采用CG技术，以分镜为基础设计layout的情况开始变多。之后交给演出监查，再将CG layout回传给作画担当。必要时，也要做出3D原图来辅助作画或者背景美术。要注意的是，将CG layout交给作画时，为了方便用PhotoShop确认或者打印出来，一般用PSD/PNG/TGA这些格式。
layout常用工具：Maya、3ds Max
一旦确定好layout，接下来就进入动画的流程了。动画的作用是为角色赋予表演，让机甲动起来，说白了就是制作动态镜头的工作。CG动画常被认为是电脑自动生成，实际上都是人工操作的。
做法基本和作画相同，只是原画中的关键动作变成了3D的key frame（关键帧）。Key frame之间的中间帧虽然是通过软件自动生成，但要表现动作的速度感和独特风格，中间帧的补充方法也要严格加以控制。对动画师而言，长期使用软件所积累的经验，的确更容易表现出预期的效果，至于角色要如何演绎、镜头要传达怎样的表演意图、最后的效果是否能料想出来，受到这些因素的影响，完成的结果也是不尽相同的，这里想说想象力和操作力之间的平衡很重要。
确定了人物角色的肢体动作之后，接下来就要设计表情（facial animation）、布料毛发、道具和装饰等一些细节方面的动画了。业界中一般称肢体动作绑定是初级动画阶段，剩下的细节部分为二级动画阶段。在大一点的制作公司中，会有团队分别担当初级动画和二级动画，但日本国内大多数公司都是同一动画师负责这两个阶段。
一级动画常用工具：Maya、3ds Max、MotionBuilder
而质感设定顾名思义就是在3D物体附着质地的工序，在海外称为“texturing”。比如增加人物角色的皮肤光泽、毛发的滑顺感，包括服饰面料（比如棉质或合成皮）的表现。更有甚者，画面还会被要求做出水彩、蜡笔或者粘土的质感。进行质感设定时，如何表现3D画面是考虑的出发点，具体到如何设定，实际操作之后是否能达成理想的效果，现有的软件能做到何种程度，这些都是必须要明确的。
因此，最有资格决定质感设定的应该是CG监督。
灯光同样是3D画面中重要的要素，调控光和影的方向和强度。许多场景会用到多个光源，调节画面的明暗从而营造氛围。在日本，这道工序一般不会独立出来，国外倒是有专门的照明担当。
至于3D作品中存在感极强的3D特效，包括爆炸、烟、火、落樱等等。制作中要突出水流或烟雾的真实感时，会用到特殊的物理结算。但在动画作品中，事实上并不需要过多强调逼真度的特效，重点是作画的效果，这才是真正考验技术的地方。
前述所有工序都完成后，就可以把素材从软件中输出来了。然后交给上色人员进行合成和渲染，最后把做好的3D图层和3D背景交给摄影师。
二级动画常用软件：Maya、3ds Max、After Effects
交流的重要性
图片来源：《苍蓝钢铁的琶音》
动画的生产期和后加工期之间的分水岭在于“摄影”工序。话虽这么说，摄影一般是属于后加工领域的，但有的CG工序中，生产期和后加工期都有摄影环节。同时，将各个环节产出的素材进行集中的整理也是摄影的作用之一。另外要提的是编集，没有经历这个过程，动画作品就称不上是完成品。下面详解写这两道工序。
具体来说，摄影是对图层、背景美术、CG素材等，各个生产链产出的素材进行组合和合成。有时按照演出的意思，还会追加一些摄影效果和特效。目前的摄影作业基本实现了数字化，摄影一词也是沿用了装备实体摄影机和摄影台的黑白时代。
摄影常用工具：After Effects
编集的工作则是将摄影做好的镜头排成时间轴，联结成整体的作品。为了更好表现剧情以及演出的意图，镜头的长度、顺序、衔接等方面的调节十分关键，监督或者演出也一定会过问这个环节，进行最终的确认。另外后加工进程中，还涉及到录音和配乐等音响方面的工作，本文暂不赘述。
总结:
如大家所见，动画作品的作成需要经过一系列工序，经手大批的工作人员。而要做出优异的作品，需要staff全员齐心协力，相应的管理体制也是十分必要的。各个环节的工作人员在熟知整体流程的前提下，在岗位上各司其职，同时与其他职员一起为同一个目标奋斗，所以其间的“交流”是与成功直接相关的要素。也就是说要广纳建议，时常确认指示文件，充分理解制作要求。下面提一些小建议。
首先遇到不明白的问题应该立马去问，比如不确定自己对指示的理解是否正确，或者对作业的方向性不明确，不知道截止时间。交给下一道工序的素材是否齐全，是否要为特殊处理准备特定材料等。若是这些问题得不到及时解决并且被放置，不仅会导致画面崩坏，也可能会影响到制作进度或者造成放送事故。
其二是勤汇报。详细告知自己进度如何，在哪一环节上感到棘手或没干劲等。要好好报告自己的现状。向谁呢？不同作品的情况有所不同，首先是向自己团队的上司和制作进行汇报。也就是，向制作进程管理和质量把控的人告知目前的情况。如此一来，也一定会得到有用的建议。
其三是日积月累的努力。要在某个方面精进，经验当然是非常重要的。那些制作出神作画、逼真的背景美术、特效密集的CG场景的高手，都是经过脚踏实地的不断练习，尝试并克服各种失败之后，慢慢学习和成长起来的。本质上就是不断重复的过程。
接到修正指示之后，没必要垂头丧气。虽然尽了全力还得到这种结果，不管是谁都会坠入失望。但请明确，修正指示并不是对你个人的评价，而是为了让作品变得更优秀。也为了自我提升，请诚恳地接受。毕竟不管你的情绪怎样，最终期限都会如约到来，所以应该立马转换身心集中到制作中去。如果对这种事感到苦恼，那就向周围的人倾诉，换个角度思考演出的指示和作业的方向，用积极的心态面对挑战。
其四是根据目的选择方法和工具。想要活用某种技能，比如想尝试着色器，光是因为这种简单的理由来决定作业方法和工具，是比较危险的想法。于制作人员本身而言可能会得到满足，而这种方法或工具与作品要求是否契合，才是关键所在。